MICHELANGELO MERISI CARAVAGGIO (ITALIA,1573-1610)

undefinedLa buenaventura (1594)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 99 x 131 cm.
Localización: Museo del Louvre. París
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedMuchacho con un cesto de frutas (1594)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 70 x 63 cm.
Localización: Galería Borghese. Roma
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedLos músicos (1596)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 92 x 118,5 cm.
Localización: MOMA. Nueva York
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedBaco (1596)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 95 x 85 cm.
Localización: Galería de los Uffizi. Florencia
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedCanasta de frutas (1598)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 31 x 47 cm.
Localización: Pinacoteca Ambrosiana. Milán
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedLa vocación de San Mateo (1600)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 322 x 340 cm.
Localización: Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefinedMadonna del Rosario (1607)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 364 x 249 cm.
Localización: Kunsthistorisches Museum. Viena
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

undefined David vencedor de Goliath (1607)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 90,5 x 116,5 cm.
Localización: Kunsthistorisches Museum. Viena
Autor: Michelangelo Merisi Caravaggio

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Biografía:


Pintor barroco italiano. Fue uno de los exponentes más destacados de la pintura del naturalismo barroco de comienzos del siglo XVII. Su utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional. Fue asimismo muy importante su utilización del claroscuro para imprimir dramatismo en sus obras.

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Su nombre verdadero era Michelangelo Merisi y nació el 28 de septiembre de 1573 en la ciudad de Caravaggio, en Lombardía, de donde tomó su sobrenombre. Fue discípulo de Simone Peterzano en Milán durante cuatro años antes de ir a Roma en 1593, y allí entró a trabajar en el taller del pintor manierista Giuseppe Cesari, también conocido como el Caballero de Arpino, para quien pintó frutas y flores (hoy perdidas). De su primera época conocida tenemos varias obras como el Baco joven (c. 1592, Galería de los Uffizi, Florencia), Muchacho con cesto de frutas (1593, Roma, Galería Borguese) y David, vencedor de Goliat (1607, Museo del Prado, Madrid) y dentro de la pintura de género (escenas de la vida cotidiana) alguna con hombres jóvenes, como Los músicos (1596, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), realizada para su primer mecenas importante, el cardenal Francesco del Monte. Escenas como La Buenaventura (1594, diferentes versiones en el Louvre, París y en el Museo Capitolino, Roma) ejercieron una atracción especial sobre los seguidores del artista. Caravaggio alcanzó la madurez de estilo alrededor de 1600, cuando se le encargó la decoración de la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses, en Roma, con tres escenas de la vida de san Mateo, San Mateo y el ángel, Martirio de san Mateo y Vocación de san Mateo (1599-1600), que se caracteriza por la utilización dramática de la luz dirigida, que irrumpe desde un punto por encima de la escena para iluminar el gesto de la mano de Cristo (inspirado en el Adán pintado por Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina) y a otros personajes, muchos de los cuales van vestidos con ropas de la época. Alrededor de 1601 Caravaggio recibe su segundo encargo importante, el de pintar la Conversión de San Pablo y la Crucifixión de san Pedro para la capilla de Santa María del Popolo de Roma. Caravaggio tuvo una vida turbulenta debido a su temperamento violento y pendenciero, lo arrestaron y encarcelaron varias veces. En 1606, lo acusaron de asesinato y huyó de Roma a Nápoles. Allí pasó varios meses realizando obras como La flagelación de Cristo (San Domenico Maggiore, Nápoles), que fue crucial para la evolución del realismo entre los artistas de esa ciudad. A finales de ese mismo año viajó a Malta, donde le nombraron caballero de la Orden de Malta y pintó uno de sus pocos retratos, el del gran maestre de esta orden Alof de Wignacourt (1608, Museo del Louvre). En octubre de 1608 huyó de nuevo, esta vez a Siracusa, en Sicilia. Allí pintó varios lienzos de gran tamaño entre los que se incluyen el Entierro de santa Lucía (1608, Iglesia de Santa Lucía, Siracusa) y La resurrección de Lázaro (1609, Museo Nacional de Mesina). En ellos emplea muchas figuras y utiliza tonos oscuros y violentos efectos de luz para conseguir un gran dramatismo. Estas obras se cuentan entre las últimas de Caravaggio, ya que murió el 18 de julio de 1610, de malaria, en Porto Ercole, Toscana, después de haber sido arrestado por error. Aunque la utilización de un intenso claroscuro y de personajes cotidianos como modelos había surgido ya durante el siglo anterior en el arte del norte de Italia, Caravaggio aportó intensidad dramática y sentido devocional a su pintura, contribuyó al origen del barroco en Roma. A pesar de que sostenía que la naturaleza era su único maestro, es obvio que estudió y asimiló los estilos de los maestros renacentistas, especialmente el de Miguel Ángel. El impacto de Caravaggio fue decisivo en el arte de su época. No tuvo discípulos pero a lo largo del siglo, tanto en Italia como en otros países, floreció una escuela derivada de su estilo naturalista.

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SANTIAGO CALATRAVA (ESPAÑA,1951)

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FUENTE: http://www.epdlp.com

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SANTIAGO CALATRAVA

Puente Bach de Roda (1987)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Dirección: Felipe II-Bach de Roda
Ciudad: Barcelona (Barcelona – Catalunya)
País: España, Europa

undefinedPuente Oudry Mesly (1988)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Ciudad: Creteil (Ile de France)
País: Francia, Europa

undefinedPuente Alamillo (1992)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Ciudad: Sevilla (Andalucía)
País: España, Europa

undefinedTorre Telefónica (1992)

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Arquitecto: Santiago Calatrava
Dirección: Anella Olímpica
Ciudad: Barcelona (Barcelona – Catalunya)
País: España, Europa

undefinedEstación de Lyon (1994)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Ciudad: Lyon (Ródano)
País: Francia, Europa

undefinedEstación Metro Alameda (1995)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Ciudad: Valencia (Com. Valenciana)
País: España, Europa

undefinedPuente de Zubi-Zuri (1997)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Dirección: Campo de Volantín, s/n
Ciudad: Bilbao (Euskadi)
País: España, Europa

undefinedMuseo de las Ciencias (1999)

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Arquitecto: Santiago Calatrava
Dirección: Ciudad de las Artes y las Ciencias
Ciudad: Valencia (Com. Valenciana)
País: España, Europa

undefinedMilwaukee Art Museum (2001)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Dirección: 700 N. Art Museum Drive
Ciudad: Milwaukee (Wisconsin)
País: EEUU, América

undefinedPuente de la Mujer (2001)

Arquitecto: Santiago Calatrava
Dirección: Dique 3 de Puerto Madero
Ciudad: Buenos Aires (Buenos Aires)
País: Argentina, América

undefinedTurning Torso (2005)

                    

Arquitecto: Santiago Calatrava
Ciudad: Malmoe
País: Suecia, Europa

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Agora (2010)

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Arquitecto: Santiago Calatrava
Dirección: Ciudad de las Artes y las Ciencias
Ciudad: Valencia (Com. Valenciana)
País: España, Europa

 

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Biografía:


Arquitecto nacido en 1951 en Benimamet (Valencia), profesionalmente ha llevado a cabo toda su actividad en sus estudios de Arquitectura e Ingeniería de París y Zurich. Considerado un especialista en el diseño de puentes -aunque ha realizado trabajos de diverso tipo- es autor de obras tan conocidas como el puente del Alamillo y el Pabellón de Kuwait en la Expo´92, ambas en Sevilla, o la torre de comunicaciones de Montjuic, en Barcelona, y fue uno de los nominados para realizar la reforma del histórico edificio del parlamento alemán (Reichstag). En 1993, el prestigioso Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) dedicó una gran exposición monográfica a su obra, como también se ha hecho en otras numerosas ciudades de varios países. Recientemente inauguró en Valencia un espectacular cine y planetario, L Hemisferic, primer edificio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, y trabaja también en la estación de Oriente, de Lisboa, el nuevo aeropuerto de Bilbao o la estación de Lieja, que será el enlace para las líneas de alta velocidad del centro de Europa, entre otros. Miembro de la Europa Akademie y de la Fazlur Rhaman Vihan International, ha recibido un gran número de distinciones, como el premio Augusto Perret, de la Unión Internacional de Arquitectos, el premio internacional Vereinigungg fur Brückenhan und Hochabn de Suiza, el Fritz Schumaher alemán o el premio FAD de 1988.

Egipto, España y Madrid / Egypt, Spain and MadridEgipto, España y Madrid / Egypt, Spain and Madrid (Photo credit: ajgelado)

Egipto, España y Madrid / Egypt, Spain and Madrid (Photo credit: ajgelado)

España - Entrada para o céuEspaña – Entrada para o céu (Photo credit: mariag.) 

Flag of Santiago de Calatrava, Jaen, Spain.Flag of Santiago de Calatrava, Jaen, Spain. (Photo credit: Wikipedia)

Flag of Santiago de Calatrava, Jaen, Spain. (Photo credit: Wikipedia)

Español: El Palacio de Congresos Princesa Leti...Español: El Palacio de Congresos Princesa Letizia de la ciudad de Oviedo (Asturias, España) visto desde el Monte Naranco. Está diseñado por el arquitecto valenciano Santiago Calatrava (Photo credit: Wikipedia) 

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ANTONI TÀPIES (ESPAÑA,1923-2012)

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ANTONI TÀPIES

Biografía:


Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich NietszcheMiguel de Unamuno y Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística. Sobre la base del surrealismo funda en 1948, junto a un grupo de jóvenes artistas e intelectuales catalanes, el grupo Dau al Set, que plantea una opción artística y cultural vanguardista de ruptura con las corrientes convencionales que se desarrollaban por entonces en España.

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En 1950 se le concede una beca de estudios en París, donde toma contacto con las ideas revolucionarias de izquierda y con la pintura abstracta. Ese mismo año realiza su primera exposición individual. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico, impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956).

 

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A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies. En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961), signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido, números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras, también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama…) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat(Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra.

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NIETSZCHE CON SU MADRE

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BIOGRAFÍA DE ARTHUR SCHOPENHAUER 3

 

 

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RENÉ MAGRITTE (BÉLGICA,1898-1967)

El poder blanco (1965)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 81 x 64 cm.
Localización: National Gallery of Art. Washington
Autor: René Magritte

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La gran guerra (1964)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 81 x 60 cm.
Localización: Colección privada
Autor: René Magritte

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Recuerdo de viaje III (1955)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 162.2 x 132.2 cm.
Localización: MOMA. Nueva York
Autor: René Magritte

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Madame Recamier de David (1949)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 60 x 80 cm.
Localización: Colección privada
Autor: René Magritte

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La añoranza (1940)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 100 x 80 cm.
Localización: Galerie Isy Brachot. BruselasParís
Autor: René Magritte

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La condición humana (1935)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm.
Localización: Colección Simon Spierer. Ginebra
Autor: René Magritte

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La Traición de las Imágenes (Esto no es una pipa) (1929)

Descripción: Óleo sobre lienzo.
Localización: Colección particular
Autor: René Magritte

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Intentando lo imposible (1928)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 105,6 x 81 cm.
Localización: Galerie Isy Brachot. Bruselas
Autor: René Magritte

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Los amantes (1928)

Descripción: Óleo sobre lienzo.
Localización: Colección particular
Autor: René Magritte

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Autorretrato (1923)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 44 x 36.5 cm.
Localización: Galerie Isy Brachot. Bruselas-París
Autor: René Magritte

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Biografía:


Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines y estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas. Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzoMadame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el famoso retrato deJacques Louis David es parodiado, al substituir a la mujer por un elaborado ataúd. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

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FUENTE :   http://es.wikipedia.org

 

Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Biografía

Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, sastre y comerciante de telas, y Regina (nacida Bertinchamps). Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912, su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, pues llevaba años intentando quitarse la vida, obligando a su marido Léopold a encerrarla en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado tal historia. La imagen de su madre flotando, con su vestido cubriendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo una de sus obras más conocidas, Les Amants, pero el propio Magritte desechaba dicha interpretación del cuadro.

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Realizó sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del Impresionismo. Entre 1916 y 1918, estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920, junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky,László Moholy-NagyLyonel Feininger y Paul Joostens en una exposición en el Círculo Real Artístico.

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Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran influencias del Cubismo, del Orfismo, del Futurismo y del Purismo.

En 1922 ve una reproducción de La canción de amor, cuadro de Giorgio de Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de este pintor. En 1922 contrajo matrimonio con Georgette Berger, una amiga de juventud, que le sirvió de modelo para alguna de sus obras.

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En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.

En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.

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En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con ÉluardBretonArpMiró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.

En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.

En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.

FUENTE: http://www.epdlp.com

 

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ORIOL BOHIGAS (ESPAÑA,1925)

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Biografía:


ORIOL BOHIGAS

Arquitecto y técnico diplomado en urbanismo, nacido en Barcelona. Junto a JosepMartorell (1925) y David Mackay (1933), forman la asociación de arquitectos MBM. Profesor en la E.T.S. de Arquitectura de Barcelona, en 1977 fue nombrado director. Presidente de la editorial Edicions 62 desde 1975 hasta 1999. En 1980 fue designado delegado del área de urbanismo del Ayuntamiento de Barcelona y en 1991 fue nombrado regidor de cultura. Inspirador de la política urbanística llevada a cabo por el Ayuntamiento, su intervención ha sido decisiva en los proyectos desarrollados para los JJ OO de 1992. Ha ganado numerosos premios FAD. En el año 1999 se le entregó el premio Ciutat de Barcelona y en 2001 se ha otorgado el mismo premio al equipo MBM.

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FUENTE: http://www.epdlp.com

El Corte Inglés (Ampliación) (1993)

Arquitecto: Oriol Bohigas
Dirección: Pza. Catalunya, s/n
Ciudad: Barcelona (Barcelona – Catalunya)
País: España, Europa

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Colegio Vila Olímpica (Parvulario La Mar Xica) (1999)

 

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Arquitecto: Oriol Bohigas
Dirección: Carmen Amaya, s/n
Ciudad: Barcelona (Barcelona – Catalunya)
País: España, Europa

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Viviendas Nova Icária (1992)

Arquitecto: Oriol Bohigas
Dirección: Moscou (entre Ramón Trias Fargas y Marina)
Ciudad: Barcelona (Barcelona – Catalunya)
País: España, Europa

undefinedUniversidad Pompeu Fabra (2001)

Arquitecto: Oriol Bohigas
Dirección: Ramón Trias Fargas, 25-27
Ciudad: Barcelona (Barcelona – Catalunya)
País: España, Europa

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Biografía

Nació el 20 de diciembre de 1925 en Barcelona. En 1943 ingresó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, donde se graduó en 1951. En 1961 obtendrá el título de urbanista y en el1963 el de Doctor Arquitecto.

Miembro fundador del grupo editorial Edicions 62, del que fue presidente de 1975 a 1999, entre 1981 y1988 fue presidente de la Fundación Joan Miró. Desde el 2003 hasta marzo del 2011 fue presidente delAteneo Barcelonés, cargo desde el cual realizó la restauración y mejora de los equipamientos del edificio y de su biblioteca.1

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En 1991 fue galardonado con la Creu de Sant Jordi concedida por la Generalidad de Cataluña y en 1999 obtuvo el Premio Ciutat de Barcelona a la Proyección Internacional, otorgado por el Ayuntamiento de Barcelona. En el año 2006 obtuvo la Medalla Francesc Macià de la Generalidad de Cataluña.

FUENTE: http://es.wikipedia.org

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CAMILLE PISSARRO (FRANCIA 1830-1903)

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CAMILLE PISSARRO

Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (Saint Thomas10 de juliode 1830 – París13 de noviembre de 1903), fue un pintor impresionista

Está considerado como uno de los fundadores del movimiento impresionista. Como decano del impresionismo tuvo un importante papel de conciencia moral y guía artístico. Pintó la vida rural francesa y escenas del barrio de Montmartre. Entre sus discípulos se cuentan Paul CézannePaul GauguinJean Peské y Henri-Martin Lamotte.

FUENTE: http://es.wikipedia.org

 

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Biografía:


Pintor impresionista francés, cuya amistad y apoyo dio ánimo a muchos pintores jóvenes. Pissarro nació en Santo Tomás, Islas Vírgenes, y se trasladó a París en 1855, donde estudió con el paisajista francés Camille Corot. Asociado en un principio con la Escuela de Barbizon, Pissarro se unió más tarde a los impresionistas y tuvo representación en todas sus exposiciones. Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), vivió en Inglaterra y estudió el arte inglés, interesándose sobre todo por los paisajes de Joseph Turner. En la década de 1880, desanimado con su trabajo, experimentó con el Puntillismo, el nuevo estilo, sin embargo, no cuajó entre los coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver a un estilo impresionista más libre. Pintor del sol y de destellantes juegos de luz, Pissarro produjo buen número de tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes, también pintó escenas callejeras en París como La calle Saint-Honoré después del mediodía, efecto de lluvia (1897, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), Le Havre y Londres. Era un excelente profesor, entre sus alumnos y colegas se encontraban Paul Gauguin y Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Pissarro fue un artista prolífico, muchas de sus pinturas, acuarelas y gráficos cuelgan de la Galería de Luxemburgo en París.

FUENTE: http://www.epdlp.com

 

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Hijo de Abraham Gabriel Pissarro, un judío sefardí portugués de Braganza que a finales del siglo XVIII emigró siendo un niño con su familia hacia la localidad francesa de Burdeos, donde existía aún una importante comunidad de judíos portugueses. Su madre fue Rachel Manzano-Pomié dominicana. En1847, tras concluir parte de sus estudios en Francia, regresó a Santo Tomás para ayudar en el comercio de sus padres. En sus momentos libres se dedicaba a dibujar.1 Posteriormente abandonó su hogar debido a la oposición de sus padres a que se convirtiese en artista. Viajó a Venezuela (1852), acompañado de su maestro, el pintor danés Fritz Melbye.2 En Caracas se dedicó plenamente a la pintura, realizando paisajes y escenas de costumbres.

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En 1855 se trasladó a París, donde asistió a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Jules Suisse. Estudió con el paisajista francés Camille Corot y trabó amistad con Claude MonetCézanne y Armand Guillaumin.

Claude Monet y Pissarro coincidieron en Londres, donde conocieron a Durand-Ruel(18311922), que se convirtió a partir de ese momento en el marchante oficial del grupo. Pissarro y Monet hicieron en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas.

Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon aunque pasado algún tiempo evolucionó hacia el impresionismo. Se le considera, junto con Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los “problemáticos” (Renoir, Degas, Cezanne).

Al volver a Francia después de su estancia en Londres, participó plenamente en las exposiciones del grupo impresionista, del que fue cofundador. Además, fue el único que participó en las ocho exposiciones del grupo (1874-1886).

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Relacionado con sus ideas socialistas y cercanas al anarquismo, se interesó por plasmar el trabajo del campesino y pintó la vida rural francesa. Del período llamado de Pontoise (1872-1884, aproximadamente) datan sus mejores obras inspiradas en Monet y Cézanne: La siega en Montfoucault (1876), Los tejados rojos (1877), Primavera en Pontoise (1877). Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo. También son famosas sus escenas de Montmartre.

En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar paisajes urbanos de París desde la ventana de su casa: Avenida de la ÓperaJardín de las Tullerías y Efecto de nieve.

La obra de Pissarro está representada en el Museo de Orsay de París. Como profesor tuvo como alumnos a Paul GauguinPaul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del anarquismo.

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LUIS M. MANSILLA (ESPAÑA,1959-2012)

LUIS MORENO MANSILLA Y TUÑÓN ARQUITECTOS

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LUIS M. MANSILLA

Luis Moreno García-Mansilla, conocido comúnmente como Luis Moreno Mansilla (Madrid1959 —Barcelona22 de febrero de 2012)1 fue un arquitecto español. Junto a Emilio Tuñón desarrolló una arquitectura basada en la activación comunitaria por mediación de iconos espaciales fácilmente reconocibles.

FUENTE:  http://es.wikipedia.org

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BIOGRAFÍA

En 1982 se tituló como arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid. Fue pensionado de la Academia de Bellas Artes de España en Roma. Ejerció de profesor del Departamento de Proyectos Arquitectónicos de la ETSAM desde 1986 hasta su fallecimiento. Fue también profesor invitado de la Städelschule de Fráncfort, de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra, del Colegio Universitatio CEU-Arquitectura, de la Nueva Escuela de Arquitectura de Puerto Rico, de la Escuela Internacional de Arquitectura de Barcelona, de laÉcole Polytechnique Fédérale de Lausanne y de la Harvard University School of Design.

Tras trabajar entre 1984 y 1992 en el estudio del arquitecto Rafael Moneo, en 1990 fundó en Madrid, junto al arquitecto Emilio Tuñón, el estudio Mansilla y Tuñón Arquitectos que recibió en 2007 el Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe por el edificio del MUSAC.

Murió en Barcelona el 22 de febrero de 2012.

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EVOLUCIÓN DE SU OBRA

La obra de Mansilla y Tuñón se hizo conocida con una serie de proyectos públicos en entornos con preexistencias históricas heterogéneas, como el Museo de Zamora (1996), o el Centro Documental de la Comunidad de Madrid (Archivo Regional de la Comunidad de Madrid y Biblioteca Regional Joaquín Leguina) (2002) en el conjunto de edificios de las antiguas fábricas de Cervezas El Águila. Obras que despertaron en poco tiempo el interés de la crítica especializada por la aplicación de estrategias de integración escalar habilidosas y una figuración que, relacionada con iconos de la modernidad, se conectaba con experiencias artísticas de la segunda mitad del siglo XX. Posteriormente con proyectos como el Museo de Bellas Artes de Castellón o su propuesta para la ampliación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía incorporaron herramientas propias del arte procesual y performativo que la oficina trasladó a la arquitectura. Desde ese momento su trabajo se ha desplegado en diferentes frentes. Por un lado la especulación figurativa. Con proyectos como la propuesta ganadora del Centro Internacional de Convenciones de Madrid (2007) en el conjunto de la antigua Ciudad Deportiva del Real Madrid o el también ganador Museo de Cantabria. Por otro lado experimentos de activación urbana, lo que en sus manifestaciones públicas han llamado ‘paisajes sociales’, como en el programa de visibilidad gráfica del MUSAC (2004) o la propuesta Madrid Games (2002). Y por último en el diseño de protocolos y tecnologías de la interacción, como en el proyecto construido para la sede en Vigo de la Fundación Pedro Barríé de la Maza (2003).

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Proyectos

 

 

Maqueta del proyecto para el futuro Museo de Cantabria, de Mansilla y Tuñón, que se situará en el nuevoParque Atlántico de Las Llamas de Santander. Esta maqueta ha sido adquirida por el MOMA para formar parte de su colección.

  • 1993-1996 Museo de Zamora, España.
  • 1994-1998 Centro de Natación en San Fernando de Henares. 1er premio, Madrid, España.
  • 1994-2001 Auditorio Ciudad de León. 1er premio, León, España.
  • 1994-2002 Centro Documental de la Comunidad de Madrid (El Águila). 1er premio, Madrid, España.
  • 1997-2000 Museo de Bellas Artes de Castellón, Castellón, España.
  • 1999 Propuesta Urbana para Sarriguren, Sarriguren, España.
  • 1999 Proyecto Ampliación del Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España.
  • 2000 Proyecto Centro Cultural. 1er premio, Brescia, Italia.
  • 2001 Construcción en Cruz. 2º premio, Teruel, España.
  • 2001 Conjunto dedicado a los Sanfermines. 1er premio, Pamplona, España.
  • 2001-2004 MUSAC de Castilla y León, León, España.
  • 2002 Proyecto Museo de Colecciones Reales. 1er premio, Madrid, España.
  • 2002 Madrid Games, Madrid, España.
  • 2002 Centro Cívico en Sabadell, Sabadell, España.
  • 2002 Nuevo Centro Parroquial de Ademuz, Valencia, España.
  • 2002 Grand Slam en Madrid, Madrid, España.
  • 2003 Museo de Cantabria. 1er premio, Santander, España.
  • 2003 Ciudadela en Logroño. 1er, Logroño, España.
  • 2003 Sede para la Fundación Pedro Barrié de la Maza, Vigo, España.

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CHARLES EDOUARD JEANNERET LE CORBUSIER (SUIZA,1887-1965)

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CHARLES EDOUARD LE CORBUSIER

FUENTE: http://www.epdlp.com

 

Biografía:


Sobrenombre profesional de Charles Edouard Jeanneret, pintor, arquitecto y teórico franco-suizo, al que se considera la figura más importante de la arquitectura moderna. Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza), y en esta misma ciudad estudió artes y oficios. Trabajó dos años en el estudio parisino de Auguste Perret, y más tarde viajó a Alemania para colaborar esporádicamente con Peter Behrens y trabar relación con Joseph Hoffmann y el Deutscher Werkbund.

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En 1922 se asoció en París con su primo, el ingeniero Pierre Jeanneret, y adoptó para la arquitectura el seudónimo Le Corbusier (el cuervo, adaptado del apellido Lecorbésier de su bisabuela), que ya había empleado con anterioridad en sus escritos. Aunque su principal carrera fue la de arquitecto, también practicó con acierto la pintura y la teoría artística. Como pintor se asoció a Amédée Ozenfant para fundar el movimiento purista, una corriente derivada del cubismo. En 1920 fundó con él la revista L Esprit Nouveau (El espíritu nuevo), para la que publicó numerosos artículos sobre sus teorías arquitectónicas. Una de sus principales aportaciones, aparte del rechazo a los estilos historicistas compartido con otros arquitectos y teóricos del movimiento moderno, es el entendimiento de la casa como una máquina de habitar (machine à habiter), en consonancia con los avances industriales que incorporaban los automóviles, los grandes transatlánticos y los nuevos aeroplanos. Definió la arquitectura como el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz, fundamentada en la utilización lógica de los nuevos materiales: hormigón armado, vidrio plano en grandes dimensiones y otros productos artificiales. Una de sus preocupaciones constantes fue la necesidad de una nueva planificación urbana, adecuada a las necesidades de la vida moderna (Plan Voisin para París, Ville Radieuse, Plan Obus para Argel, Chandigarh, etc), y sus ideas han tenido una enorme repercusión en el urbanismo de este siglo.
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Durante la década de 1920 propuso numerosos proyectos urbanísticos y residenciales, pero sólo pudo construir una serie de villas unifamiliares cercanas a París que le sirvieron para concretar sus cinco postulados sobre la nueva arquitectura: bloques elevados sobre pilotis (pilares), planta libre, fachada libre independiente de la estructura, ventanales longitudinales (fenêtre en longueur) y cubiertas planas ajardinadas.

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Entre los edificios de esta época destacan el Pabellón del Esprit Nouveau en París (1925), la villa de Monzie en Garches (1927) y la villa Savoye en Poissy (1929-1931), aparte de los proyectos no construidos para la Sociedad de Naciones en Ginebra (1927-1928) y el palacio de los Soviets en Moscú (1928). Sus obras posteriores más representativas son la Casa de Suiza de la ciudad universitaria de París (1931-1932), la Unidad de Habitación de Marsella (1947-1952), donde puso en práctica su elaborado sistema de proporciones publicado con el nombre de modulor, la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp (Francia, 1950-1954), el monasterio de los dominicos de La Tourette (1957-1960) y el planeamiento urbano de Chandigarh, la ciudad construida en la India como nueva capital del Punjab, para cuyo capitolio proyectó los edificios de la Asamblea (1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y el Secretariado (1958). Sus escritos más importantes se recogen en varios libros, entre los que destacan Vers une architecture (Hacia una arquitectura, 1927), La maison des hommes (La casa de los hombres, 1942) y Quand les cathédrales étaient blanches (Cuando las catedrales eran blancas, 1947). Le Corbusier murió el 27 de agosto de 1965 en Cap Martin (Francia).

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JACOPO ROBUSTI TINTORETTO (ITALIA,1518-1594)

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TINTORETTO

Tintoretto, de nombre verdadero Jacopo Comin (Venecia29 de septiembre de 1518 – Venecia31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano. En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante vigorosa. Su verdadero apellido, ‘Comin’ ha sido descubierto recientemente por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del PradoMadrid, y se ha hecho público a raíz de la retrospectiva de Tintoretto en el Prado (2007).1

Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.

Jean Paul Sartre escribió diversos ensayos sobre Tintoretto.

FUENTE: http://es.wikipedia.org

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Biografía:


Pintor manierista veneciano, fue uno de los artistas más destacados del último tercio del siglo XVI. Su obra sirvió de inspiración para el desarrollo del arte barroco. Jacopo Robusti, que ese era su verdadero nombre, tomó el seudónimo de Il Tintoretto ( el pequeño tintorero ) en alusión a la profesión de su padre. Siendo aún niño estuvo durante cierto tiempo en el taller de Tiziano, pero el maestro le expulsó celoso de sus posibilidades, el recelo entre estos dos grandes pintores perduró a lo largo de toda su carrera profesional. A diferencia de Tiziano, Tintoretto vivió y trabajó única y exclusivamente en Venecia. Toda su obra se destinó por entero a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad y zonas limítrofes. Durante su primera década como pintor (c. 1538-1548) fue creándose un estilo a partir de diversas fuentes de inspiración, entre las que se encuentran las obras de pintores manieristas florentinos como Miguel Ángel, y la escultura en relieve de Jacopo Sansovino, de ellos aprenderá el dibujo y la composición. Del pintor dálmataAndrea Schiavone aprendió a aplicar la pintura de manera extraordinariamente ligera, libre y abocetada. Todos estos elementos fueron combinados por Tintoretto de muy diversas formas y con sorprendente efectividad en los cuadros que realizó durante la década de 1540. El comienzo de su madurez artística vino marcado por el gran San Marcos (1548, Academia, Venecia) que pintó para laScuola di San Marco en Venecia, en el que se combinan con gran precisión atrevidos escorzos, ilusiones espaciales y gran luminosidad para dar la sensación de una acción totalmente espontánea. En las décadas siguientes, el estilo de Tintoretto no sufrió cambios esenciales, intensificándose siempre en la misma línea, el elevado número de encargos que recibió confirman su favorable y entusiasta acogida. No obstante, su asombrosa facilidad como dibujante y pintor no fueron suficientes para poder hacer frente a todo el trabajo, y así, recibió la ayuda de una larga nómina de aprendices y pintores entre los que destacaban sus hijos Marietta y Domenico, cuyas aportaciones son a menudo muy difíciles de distinguir de las propias de Tintoretto.

FUENTE: http://www.epdlp.com

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Ya en su madurez artística se inclinó de modo progresivo hacia los fuertes contrastes de luz y sombra (con lo que el color como tal se convierte en algo relativamente insignificante), excéntricas y profundas perspectivas y escorzos muy forzados, componiendo ampulosos y llamativos grupos escenográficos que realzaban el dramatismo de los acontecimientos representados. De entre su producción artística destacan las obras de tema religioso como los treslienzos que, sobre los milagros de San Marcos, pintara para la Scuola di San Marco (1562-1566), El lavatorio (Museo del PradoMadrid), La última cena (1594) de la Iglesia de San Giorgio Maggiore y las escenas bíblicas con las que decoró los techos y muros de la Scuola di San Rocco entre 1564 y 1587. Esta última constituye la mayor empresa pictórica de su carrera y una de las mejores obras de la pintura renacentista. De similares características es el ciclo pictórico realizado por Tintoretto y sus ayudantes en el Palacio Ducal de Venecia, culminando en el gran Paraíso (1588-1590), aunque en este caso el grado de inspiración es menor y la participación de sus ayudantes mucho más evidente. Como retratista, procuró mostrar la intimidad de los personajes. Destacan La dama que descubre el seno y El caballero de la cadena de oro, ambas fechadas entre 1556 y 1560, y que se encuentran en el Museo del Prado. La predilección de Tintoretto por las composiciones diagonales y en zigzag dentro de profundos espacios, así como el carácter teatral de su iluminación y el dinamismo y pasión de su estilo, tuvo su continuidad en el trabajo de algunos pioneros del barroco, como por ejemplo el pintor flamenco Petrus Paulus Rubens y la familia Carracci. Su influencia sobre la pintura veneciana fue aún mayor, aunque menos provechosa. Las anotaciones taquigráficas que hizo sobre la forma y la luz llegaron a convertirse, ya desde sus últimas obras, en estereotipos. Para los jóvenes artistas venecianos fueron fórmulas inútiles, vacías, pero, al parecer, ineludibles. Tras la muerte de Tintoretto en Venecia el 31 de mayo de 1594, la pintura veneciana entró en rápida decadencia.

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Se considera que en torno a 1560, Tintoretto comenzó sus numerosas pinturas del Palacio Ducal de Venecia; ejecutó allí un retrato del dogo, Girolamo Priuli. Le siguieron otras obras que quedaron destrozadas por el gran incendio de1577: la Excomunión de Federico Barbarroja por el papa Alejandro III y la Victoria de Lepanto.

Después del incendio, Tintoretto comenzó de nuevo, con Paolo Veronese como compañero; sus obras han sido, en su mayor parte, desgraciadamente retocadas en años posteriores, y algunos de los mejores monumentos a su poder pictórico han quedado degradados a obras de relativa poca importancia.

Pintó el techo de la Sala delle Quattro Porte; en la Sala del Anti-Colegio, cuatro extraordinarias obras maestras: Baco, con Ariadna coronada por Venus, las Tres Gracias y MercurioMinerva rechazando a Marte, y la Fragua de Vulcanoque fueron pintadas por cincuenta ducados cada una, además del material, hacia 1578; en la Sala del Colegio, losEsponsales de santa Catalina con Jesús; en la Sala del senado, las pinturas del techo y las paredes son obras de Tintoretto y sus discípulos, destacando Venecia, Reina del Mar; en la Sala dello Scrutinio Tintoretto pintó la Captura de Zara a los Húngaros en 1346 en medio de un huracán de misiles; en la Antichiesetta, San Jorge y san Nicolás, con santa Margarita (la figura femenina a veces es considerada la princesa a la que san Jorge rescató del dragón), y San Jerónimo y san Andrés; en la Sala del Consejo Mayor (Sala del Maggior Consiglio), nueve grandes composiciones, principalmente escenas de batalla. En la pared del fondo pintaría, años después, El Paraíso.

Entre 1578 y 1580 marchó a Mantua, para trabajar en el servicio del duque Guillermo Gonzaga.

 

FAMILIA

 

Casa de Tintoretto “Fondamenta dei Mori” – Cannaregio – Venecia.

En 1550 se casó con Faustina de Vescovi (o, quizá, Episcopi), hija de un noble veneciano y prominente miembro de la Scuola de San Marcos. Parece que fue una cuidadosa ama de casa, que supo llevarse con quien debió ser un marido no fácilmente tratable. Su esposa le hacía llevar la vestimenta de ciudadano veneciano fuera de casa; si llovía, intentaba que se pusiera abrigo, a lo que él se resistía. También le daba unas monedas envueltas en un pañuelo, y esperaba que él le explicara después lo que había hecho con él; la respuesta usual de Tintoretto era que lo había gastado en ayudas a los pobres o a los prisioneros.

Faustina le dio varios hijos, probablemente dos hijos y cuatro hijas. Marieta, hija de Jacopo, tuvo otra madre, probablemente alemana, que tuvo una relación con Jacopo antes de su matrimonio con Faustina. De sus ocho hijos, fueron pintores destacados Marietta y Domenico, que lo ayudaron en su taller .

De Marietta se decía que a los quince años solía acompañar y ayudar a su padre en el trabajo, vestida de chico. Fue una retratista de considerable habilidad, así como música, tanto vocal como instrumental; pero pocas obras suyas pueden encontrarse hoy día. Se casó con un joyero, Mario Augusta. Falleció en 1590, a los treinta años. Según la tradición, Tintoretto la pintó mientras yacía muerta en el lecho.

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